Christoph Willibald Gluck
Azione teatrale per musica in three acts

Text by Raniero de’ Calzabigi 

New production
In Italian with German and English surtitles

LEADING TEAM

Riccardo Muti, Conductor
Dieter Dorn, Stage Director
Jürgen Rose, Set Design and Costume Design
Tobias Löffler, Lighting
Ramses Sigl, Choreography
Hans-Joachim Ruckhäberle, Dramaturgy
Thomas Lang, Chorus Director

CAST

Elisabeth Kulman, Orfeo
Genia Kühmeier, Euridice
Christiane Karg, Amore
Vienna Philharmonic
Concert Association of the Vienna State Opera Chorus
ABOUT THE PRODUCTION

In the beginning, the beloved dies: grief, lamenting, pain, loneliness and defiance; in the end, the victory of love and music. Orpheus does not accept Eurydice’s death, he demands her return; if need be, he will bring her back from the underworld by force. The interference of the gods in the shape of Eros is not only an act of mercy. Orpheus is taken at his word: he is allowed to descend to the netherworld and retrieve his beloved wife, on the condition that he does not look at her and gives her no explanation. With the help of the power of music, Orpheus overcomes all obstacles, except for Eurydice’s resistance: she wants him to look at her and desire her, consciously. He cannot resist her, and she dies a second time. Orpheus wants to die with her. However, there is another life for the lovers, this time as a gift from the gods.
Gluck’s azione teatrale per musica, premiered in 1762 in Vienna, irritates its audiences with its subjectivity and intimacy. The figures are taken from mythology; but everything that happens is motivated by love alone. There is no empire to be saved, no children, no social obligations, but no guilt either. Thus, the happy ending – often considered conventional – is actually a celebration of the absoluteness of individual feeling and its triumph over the absolutism of any power.

Hans-Joachim Ruckhäberle

Just like Elektra, Christoph Willibald Gluck’s reform opera Orfeo ed Euridice (1762) marked a key moment in the modern interpretation of the myths of Antiquity. Dieter Dorn, who has directed not only a number of major theater productions at the Salzburg Festival, but also Strauss’ Ariadne auf Naxos and most recently Henze’s L’Upupa, will be responsible for the production. Riccardo Muti, who has already made a standard-setting recording of Gluck’s Orfeo ed Euridice and celebrates his 40th stage anniversary at the Salzburg Festival this year, conducts the Vienna Philharmonic.

36 years ago, Dieter Dorn made his Salzburg Festival debut. At the time, in July of 1974, he had not yet reached the place where he would find his artistic fulfillment, in Munich. Not yet 40, the Leipzig-born man of the theater, an alumnus of the Max Reinhardt School who had begun his career as a director at the State Theater in Hanover, had been hired by Hamburg’s Schauspielhaus and won acclaim for his work in Berlin as well, not least on contemporary pieces such as Jean Genet’s The Maids.
What made him an obvious choice for the special task of unveiling a new Thomas Bernhard play in 1974 in Salzburg – only two years after the famous scandal that the world premiere of Der Ignorant und der Wahnsinnige had caused under Claus Peymann’s direction – was his special experience in this sensitive area. After all, Dorn had produced the play, which Bernhard had withdrawn after the world premiere – in protest against the bureaucratic intervention of the fire police, which refused to allow complete darkness within the auditorium – at Berlin’s Schlossparktheater the very same year. The side-effect was that Dorn’s production could be seen at the same time as Peymann’s, which had moved to Hamburg. The eternal antipodes of the so-called German Director’s Theater – Dorn, the dignified aesthete, who was occasionally accused of creating “boutique theater” by his detractors, and the creative “wild thing” Peymann, shaped by the still-fresh ideals of the 1968 movement – they seem to have had outright duels at the time. Bernhard’s Jagdgesellschaft had also been directed by both of them at the same time, amazingly – by Peymann in Vienna and Dorn in Berlin. Is it glorification in hindsight to think of this today as unimaginable riches?
Thus, in 1974, Dieter Dorn tried his hand at the comedy Die Macht der Gewohnheit in Salzburg – and hit the jackpot. In her review for the Frankfurter Allgemeine Zeitung, Hilde Spiel declared that the evening offered “a high level of psychologization, nuance, dialectic exaggeration and comic gestures,” and criticized those audience members, “eternally old-fashioned”, who felt driven to boo the performance.

Master of the “most beautiful” effect
The psychology of the person behind the theatrical figure has always been essential to Dorn. And the great classical works that he was to direct in Salzburg thereafter achieved a suggestive, “most beautiful” effect, thanks to his art of portraying human beings and his insistence on the text itself. Torquato Tasso in 1982 comes to mind, with the rising young star Peter Simonischek in the title role, with Thomas Holtzmann as well as Gisela Stein and Jutta Hoffmann. Then there was Kleist’s Der zerbrochene Krug with Rolf Boysen and the young Sibylle Canonica. At this point, Dorn had already become artistic director of the Münchner Kammerspiele and had assembled his legendary ensemble there.
In 1979, he had also directed his first opera at the Vienna State Opera, and the conductor of that Entführung aus dem Serail, Karl Böhm, was also his musical partner that summer for Salzburg’s Ariadne auf Naxos, with the ideal cast of Hildegard Behrens and James King as the “high couple”, Edita Gruberova as Zerbinetta and Trudeliese Schmidt as Composer. Here again, Dorn had stayed true to his principle of developing a piece only from the text itself, analyzing the figures closely and separating them gently from their historical context. At the Kleines Festspielhaus, he managed to present a new interpretation which was daring compared to operatic convention at the time – numerous critics celebrated his purposeful reductions as an antidote to the opulent performances at the Großes Haus.
Most recently, Dieter Dorn directed an opera world premiere at the Festival: in 2003, L’Upupa, Hans Werner Henze’s German lustspiel inspired by the Arabic bird of happiness, achieved the fairy-tale effect the composer had hoped for, with sets designed by Jürgen Rose.

No Thorn* without a Rose
This year the veteran master director returns to Salzburg with his set and costume design partner Jürgen Rose, who has become his artistic alter ego over the years. They will turn their attention to an opera which is connected to the history of the Salzburg Festival before and after World War II in a special way – not least because of its symbolic praise of the “power of music”. Gluck’s Orpheus first appeared on the program in the summer of 1931, when Bruno Walter conducted the performance, sung in German, at the old Festspielhaus. The production, directed and choreographed by Margarete Wallmann, was revived for the following two years, and again in 1937.
In 1948, it was Gluck’s “reform opera” with which Herbert von Karajan celebrated his Festival debut; at the request of Oscar Fritz Schuh and Caspar Neher, the Felsenreitschule was first used for an opera performance. Elisabeth Höngen as Orpheus, Maria Cebotari (who passed away shortly thereafter) as Eurydice and Sena Jurinac as Amor were the protagonists of this performance, which was revived under Josef Krips in 1949, when it was still performed in German. Only when Karajan programmed the work again in 1959, the original Italian was chosen, interpreted by Giulietta Simionato, Sena Jurinac and Graziella Sciutti. The CD, which has been released as a Festival Document, bears testimony to the way in which Karajan achieved his typical, unmistakable results, even on what was to him unknown territory. Riccardo Muti is certainly the right man to walk in his footsteps.

Monika Mertl
Translation: Alexa Nieschlag

*Translator’s Note: Dorn = thorn

ABOUT THE PRODUCTION

In the beginning, the beloved dies: grief, lamenting, pain, loneliness and defiance; in the end, the victory of love and music. Orpheus does not accept Eurydice’s death, he demands her return; if need be, he will bring her back from the underworld by force. The interference of the gods in the shape of Eros is not only an act of mercy. Orpheus is taken at his word: he is allowed to descend to the netherworld and retrieve his beloved wife, on the condition that he does not look at her and gives her no explanation. With the help of the power of music, Orpheus overcomes all obstacles, except for Eurydice’s resistance: she wants him to look at her and desire her, consciously. He cannot resist her, and she dies a second time. Orpheus wants to die with her. However, there is another life for the lovers, this time as a gift from the gods.
Gluck’s azione teatrale per musica, premiered in 1762 in Vienna, irritates its audiences with its subjectivity and intimacy. The figures are taken from mythology; but everything that happens is motivated by love alone. There is no empire to be saved, no children, no social obligations, but no guilt either. Thus, the happy ending – often considered conventional – is actually a celebration of the absoluteness of individual feeling and its triumph over the absolutism of any power.

Hans-Joachim Ruckhäberle

La forza del destino, melodramma in quattro atti di Giuseppe Verdi su libretto di Francesco Maria Piave, è la seconda opera lirica del cartellone dello Sferisterio Opera Festival, in scena sabato 31 luglio ore 21 dopo il Faust di Charles Gounod in programma il 30 luglio e dopo il Vespro della Beata Vergine di Monteverdi la sera del 29 luglio.
Il capolavoro di Verdi, assente dal palcoscenico dello Sferisterio da 29 anni (vi fu rappresentato nel 1981 e precedentemente nel 1969) è proposto in un nuovo allestimento con la direzione d’orchestra di Daniele Callegari, la regia, le scene ed i costumi di Pier Luigi Pizzi, ed un cast di grandi interpreti tra cui il basso Roberto Scandiuzzi nel ruolo di Padre Guardiano. Personalità carismatica, Scandiuzzi è uno dei maggiori cantanti della scena operistica e affascina il suo pubblico con la bellezza della sua voce, dal timbro armonioso e nobile.
Protagonisti del nuovo allestimento dello Sferisterio sono inoltre Teresa Romano (Leonora), soprano di origine campana dalla voce luminosa e rotonda, già presente nonostante la giovane età, 25 anni, in alcuni tra i grandi teatri italiani (Napoli, Milano, Verona, Roma..) con famosi direttori, il serbo Zoran Todorovich (Don Alvaro), molto apprezzato a livello internazionale per il repertorio di tenore lirico-spinto, e Marco Di Felice (Don Carlo), autorevole ed emozionante voce di baritono presente nei principali palcoscenici del mondo. Nel cast, inoltre, Ziyan Atfeh (Il Marchese di Calatrava), Anna Maria Chiuri (Preziosilla), Paolo Pecchioli (Frà Melitone), Annunziata Vestri (Curra), Giacomo Medici (Un alcalde), Paulo Paolillo (Mastro Trabucco). Il corpo di ballo “Aeros” accompagnerà l’opera con le coreografie di Gheorge Iancu. Movimenti coreografici di massa e mimici sono di Roberto Maria Pizzuto, il disegno luci è a cura di Sergio Rossi. L’orchestra è la Regionale delle Marche, il Coro Bellini è diretto da David Crescenzi.
L’opera verdiana debuttò nel 1862 a San Pietroburgo in Russia. Il libretto di Francesco Maria Piave è ambientato durante la guerra di successione austriaca (metà del XVIII secolo). Lungo i quattro atti, densi di rapimenti, duelli, travestimenti e riconoscimenti, spiccano i personaggi di Leonora, figlia del marchese di Calatrava, dell’indio di stirpe regale don Alvaro che uccide accidentalmente il padre di lei durante un tentativo di fuga dalle stanze dell’innamorata, e di Carlos, fratello di Leonora, che da questo momento inseguirà i due amanti, per vendicare la morte del padre. Li troverà: Leonora in convento, Alvaro, sotto falso nome, prima nell’esercito spagnolo, poi nello stesso convento dove alloggia la giovane, sotto la protezione del Padre Guardiano, fino al drammatico epilogo finale.

TUSCAN SUN FESTIVAL VIII edizione

Cortona, 30 luglio – 6 agosto 2010

Ancora una volta il Festival di Cortona sorprende
Tra i tanti nomi, RENEE FLEMING, STING e TRUDIE STYLER
in una performance assolutamente inusuale

Il Tuscan Sun Festival 2010 presenta il cartellone con la star del rock e sua moglie in scena a Cortona con Twin Spirits.
E ancora, le stelle del Bolshoi e del Mariinsky, il soprano russo Ekaterina Scherbachenko a Cortona per l’Opera Gala d’apertura prima del suo debutto alla Scala in autunno, il ritorno di Nina Kotova e quello di Joshua Bell, questa volta insieme a Steven Isserlis, Gabriele Lavia sul palco del Teatro Signorelli insieme a Cecilia Chailly, arpista di formazione classica ma aperta anche al pop e al jazz.
Questi sono alcuni dei nomi che si aggiungono a Renée Fleming, il celeberrimo soprano americano vincitrice di tre Grammy, a Cortona fin dal primo giorno del festival e sul palco il 3 agosto in un concerto sotto le stelle in piazza Signorelli.
Per le arti visive, l’ospite quest’anno è Daze, uno dei più interessanti artisti della Graffiti Art newyorchese. In cartellone non solo una mostra, ma anche opere realizzate in diretta durante il festival: il segno grafico della metropoli più moderna nella Cortona medievale.
Come di consueto non mancano benessere ed enogastronomia, rappresentati sempre a livelli d’eccellenza al Tuscan Sun Festival, il festival dei cinque sensi che affianca agli appuntamenti serali un folto carnet durante l’intero arco della giornata. Quest’anno sotto “la regia” di Trudie Styler, attrice e regista, nonché moglie di Sting, entrano in scena due guru nei rispettivi campi. Per il wellness all’insegna dell’eco friendly James D’Silva, trainer di fama internazionale. Per
l’enologia “guest star” James Suckling, una delle firme più prestigiose della critica vinicola internazionale.

L’eclettica rassegna estiva, che ogni anno porta a Cortona, una delle più affascinanti piccole
città d’arte italiane, all’interno di spazi intimi e scenografici che esaltano il talento degli artisti
e incantano il pubblico, stelle della musica mondiale, grandi nomi del cinema o del teatro,
artisti visivi da scoprire, per questa nuova edizione mette in campo ospiti internazionali e
nazionali aperti a linguaggi e stili diversi e disposti a misurarsi con repertori non convenzionali.
Lo scambio tra discipline che trovano forme insolite per dialogare appare così sempre più uno dei fili conduttori del festival fondato otto anni fa da Barrett Wissman.
Così come quest’anno anche l’incontro tra generazioni ha la sua importanza: autentici miti
della musica mondiale come Sting, Renée Fleming o Joshua Bell ma anche rivelazioni come
Anthony Arcaini, giovane compositore e direttore prodigio o il giovane pianista Nobuyuki Tsujii, definito “un miracolo” e infine l’appena sedicenne violinista americano Chad Hoope dotato di abilità tecniche, disinvoltura e un talento brillante.

Sting con la moglie Trudie Styler saranno insieme sul palco del Tuscan Sun Festival 2010 in
Twin Spirits, Anime Gemelle: una rappresentazione teatrale unica, dallo spirito intimista, dove
un ensemble di attori, cantanti e musicisti porta in scena il profondo ed estremo amore tra il
compositore Robert Schumann e sua moglie, la pianista Clara Wieck. Probabilmente la coppia
più significativa e affiatata nella storia della musica. In questa opera di intense atmosfere di
parole, canzoni e musica, la lunga separazione dei due artisti, viene rappresentata nella divisione
dell’ensemble tra uomini e donne. Il senso di vicinanza con gli artisti che si viene a creare è così
forte da generare un’ emozione che non può non scuotere lo spettatore nel profondo.
Ideato e prodotto da June Chichester, scritto e diretto da John Caird, Twin Spirits è stato portato in scena per la prima volta nel 2005 al Royal Opera House di Londra. Al Teatro Signorelli l’opera andrà in scena due volte il 5 agosto, con la partecipazione di due strumentisti di eccezione, il virtuoso Joshua Bell e Nina Kotova, affascinante musa ispiratrice del Festival. La narrazione è affidata al leggendario attore e regista inglese Charles Dance.
Rappresentazione che diventa tanto più significativa considerando che si celebra quest’anno il
bicentenario della nascita del musicista tedesco.
La cantina Avignonesi ospiterà dopo il concerto un ricevimento di gala. I proventi del concerto e del gala andranno al Rainforest Fund, istituzione fondata da Sting oltre venti anni fa e al Royal Opera House Education Fund.

Dopo un’apertura, il 30 luglio, fitta di appuntamenti che coinvolgeranno nell’arco della giornata locations diverse di Cortona, il primo concerto in cartellone è il 31 luglio con una Opera Gala, che vedrà sul palco la vincitrice del BBC Cardiff Singer of the World, il soprano russo Ekaterina Scherbachenko, insieme a Marcello Giordani, tenore siciliano molto amato negli Stati Uniti, con l’Orchestra della Toscana diretta da Gisèle Ben-Dor.

L’Orchestra dei Sinfonici del Maggio Musicale Fiorentino diretta da Julian Kovatchev, sarà
in concerto il 1 agosto al Teatro Signorelli con Nobuyuki Tsujii al pianoforte e il giovanissimo
Chad Hoope al violino. Il leggendario attore inglese Charles Dance prenderà parte al concerto del 1 agosto con la lettura dei Sonetti Le Quattro Stagioni, i versi che si pensa abbiano ispirato Vivaldi nella composizione della sua celeberrima opera. Durante la lettura di Dance il giovane violinista Chad Hoopes eseguirà Le Quattro Stagioni, accompagnato dai Sinfonici del Maggio Musicale.

Il 2 agosto Gabriele Lavia interpreterà il monologo di Fyodor Dostoevsky Il sogno di un uomo
ridicolo, accompagnato dall’arpa di Cecilia Chailly, dalle radici classiche ma che si è conquistata un suo spazio soprattutto nel “crossover”.

Tecnica superba, timbro inconfondibile, talento nell’interpretazione ma anche straordinario carisma da diva, quello di Renée Fleming, vincitrice del Grammy Award, che il 3 agosto sarà in Piazza Signorelli per una serata di arie celebri, con l’Orchestra del Festival Puccini, diretta da Alberto Veronesi, e con la partecipazione del giovane compositore e direttore prodigio Anthony Arcaini.

La superstar del violino, Joshua Bell il 4 agosto farà ritorno al Festival con il pianista ungherese
Dénes Vàrjon e il violoncellista vincitore del Gramophone Award Steven Isserlis, dalla
straordinaria sensibilità musicale e strepitosa tecnica strumentale, con cui condivide una
collaborazione di lunga data. Orchestra della Toscana diretta da Riccardo Frizza.

Dopo l’applauditissima esibizione nell’edizione 2009, I primi ballerini dell’American Ballet
Theater, Maxim Beloserkovsky e Irina Dvorovenko (Max and Irina) fanno ritorno al Festival
per presentare il Ballet Gala Stars of the Bolshoi and Mariinsky. Il 6 agosto giornata di chiusura
del Festival, la rappresentazione di Max e Irina, insieme con altri ballerini dei blasonati teatri russi Bolshoi e Mariinsky, si terrà all’aperto, sotto le stelle di Piazza Signorelli a Cortona. Saranno presenti anche due amici del prestigioso Hamburg Ballet, Oleksandr Ryabko e Silvia Azzoni, che già hanno preso parte alla rappresentazione del Ballet Gala lo scorso anno.

Come è ormai consuetudine, il Tuscan Sun Festival, che ha una delle ragioni del suo successo
nell’aver saputo creare un’atmosfera intima e raccolta che avvolge insieme artisti e pubblico,
entrambi affascinati dalla bellezza complice e sorprendente di Cortona, è più in generale un invito alla scoperta del piacere del vivere.
Una sintesi di esperienze multisensoriali da vivere in ore diverse della giornata, spostandosi tra un chiostro ombroso e un antico palazzo, un giardino e una stradina medievale, tra una seduta di yoga e un ottimo vino, una lettura, un film, e una passeggiata tra i vigneti.
Tra i tanti appuntamenti “sotto il sole della Toscana” alcuni sono assolutamente da non perdere: per esempio la sessione di wellness di Trudie Styler, condotta insieme a James D’Silva, suo personal trainer, ex ballerino. Insieme proporranno un mix di yoga, pilates e danza in un contesto scenografico e artistico quale quello cortonese.
Ancora Trudie, anche produttrice, per una degustazione–conversazione sul vino biodinamico con l’enologo della sua residenza, Il Pelagio, e affiancati dal noto critico enologico James Suckling.

James Suckling sarà anche il protagonista di un nuovo evento del Festival 2010 in tema di
enogastronomia, Masters of Wine. Una degustazione esclusiva di Brunello Riserva 2004, seguita da una cena stellata al Falconiere, relais gourmet di Silvia Baracchi.

Il Tuscan Sun Festival è il primo della famiglia dei Sun Festivals, prodotto dalla IMG Artists.
Il Festival del Sole – Napa Valley si svolge annualmente a luglio nella bellissima Napa Valley in
California e il Singapore Sun Festival, pure annuale, si tiene in ottobre in locations che spaziano tra la storica e fascinosa Arts House nel Vecchio Parlamento, il lussureggiante scenario della Spa Botanica, la pittoresca promenade lungo il Singapore River, la stupefacente Esplanade – Theatres on the Bay e la IndoChine Empress Place sul porto.

Il TSF ringrazia i suoi partner tecnici: il Comune di Cortona, la Provincia di Arezzo, la Regione
Toscana, AngloInfo Tuscany, Banca Popolare, Hapag-Lloyd, Maserati, Avignonesi, Consorzio
Vini Cortona, Il Borro, Il Falconiere, Molesini, Classica TV e Tuscan Living Magazine.

INFO tuscansunfestival.com

PREVENDITA BIGLIETTI
ticketing.terretrusche.com Box office Italia Tel: 0575.606887 tsfboxoffice@terretrusche.com

lirica maceratese all’Arena Sferisterio, dedicata a Padre Matteo Ricci con il titolo “A maggior gloria di Dio”.
Titolo inaugurale sarà il Vespro della Beata Vergine, un indiscusso capolavoro della musica sacra di tutti i tempi ed una partitura monumentale di straordinario fascino. La composizione sacra verrà eseguita alle ore 21 all’Auditorium San Paolo, affidata a Marco Mencoboni musicista maceratese di fama internazionale, allievo di Gustav Leonhardt (uno dei pionieri della filologia barocchista), e particolarmente attivo nel recupero delle antiche prassi esecutive. Alla guida del Complesso vocale e strumentale del Cantar Lontano, si cimenterà nell’utilizzo della tecnica del “Cantar lontano” in un grande spazio aperto, ed avvolgerà l’Arena Sferisterio di un manto musicale di incredibile fascino. L’arte del Cantar lontano è costituita da voci disposte in punti diversi dello spazio. L’effetto è di pura suggestione, con la stereofonia polifonica amplificata ed esaltata dalla cassa armonica dell’architettura dell’Arena maceratese.
Il Vespro della Beata Vergine è considerato uno dei monumenti del repertorio sacro di tutti i tempi. Opera estremamente complessa per invenzione compositiva e per articolazione interna, esalta quello “stile concertante” che già aveva avuto superba espressione in ambito profano con l’Orfeo e che il suo autore poneva alla base della “moderna pratica.
Scrive, a proposito del capolavoro di Monteverdi, S. E. Mons. Claudio Giuliodori, Vescovo della Diocesi di Macerata–Tolentino–Recanati–Cingoli–Treia: “L’apertura della stagione 2010 dello Sferisterio Opera Festival con il Vespro della Beata Vergine di Claudio Monteverdi è un evento di grande rilevanza culturale, spirituale e artistica. Si tratta di uno degli eventi di maggiore novità nel panorama culturale italiano e non solo. Certamente rimarrà nella storia come una delle proposte culturali e artistiche più originali e affascinanti del 2010. Con l’esecuzione del Vespro della Beata Vergine, nel suggestivo e magico scenario dello Sferisterio di Macerata si incroceranno due ricorrenze che dopo quattro secoli getteranno l’una sull’altra una luce di singolare splendore. L’11 maggio del 1610 moriva a Pechino il grande missionario maceratese, apostolo della Cina, il gesuita P. Matteo Ricci e nel luglio dello stesso anno a Venezia Claudio Monteverdi pubblicava una della opere più importanti della storia della musica, dedicata alla Madonna. Il misterioso filo che unisce questi due personaggi, in una suggestiva trama di fede e arte, è la Vergine Maria”.
 
Marco Mencoboni è nato nel 1961 a Macerata. Clavicembalista, organista e direttore d’orchestra, ha studiato con Umberto Pineschi, Ton Koopman, Jesper Christensen e Gustav Leonhardt con il quale si diploma allo Sweelinck Conservatorium di Amsterdam nel 1989.
Dedica anni di studio alla ricerca e alla definizione del repertorio musicale rinascimentale e barocco delle Marche. Grazie al suo lavoro è affiorato un patrimonio musicale antico sconosciuto e di grande valore, comprendente opere di Ignazio Donati, Pietro Pace, Costanzo Porta, Bartolomeo Barbarino, Luigi Battiferri. È presente come solista e come direttore del complesso vocale Cantar lontano nei più importanti festival internazionali di musica antica come Ambronay, Utrecht, Trigonale, Pontoise, Haut Jurà etc. Ha vinto numerosi premi e riconoscimenti. Il Metropolitan Museum di New York gli commissiona nel 1997 un importante progetto di restituzione musicale finalizzato alla sonorizzazione di una sala del museo. Al suo incessante lavoro di ricerca e restituzione filologica dobbiamo la riscoperta e valorizzazione della prassi del “cantar lontano”, una straordinaria tecnica vocale marchigiana dei primi del ‘600 che si realizza disponendo strategicamente i cantori nello spazio, a creare uno spettacolare effetto di suono diffuso. Dal 1999 è direttore artistico del festival Cantar lontano che si tiene ogni anno in provincia di Ancona. Ha fondato e dirige l’etichetta discografica E lucevan le stelle records. Per le celebrazioni dei 400 anni del Vespro della Beata Vergine, Mencoboni presenta un’edizione critica del capolavoro monteverdiano, direttamente curata, che torna a svelarne il più profondo senso mistico e religioso.
 
Il complesso vocale Cantar Lontano eredita e prosegue il percorso quasi decennale compiuto dal complesso Sacro & Profano.
Grazie a questo gruppo di professionisti, prende vita il lavoro di ricerca di Marco Mencoboni, perseguendo la riscoperta e la diffusione di un repertorio musicale antico rinascimentale e barocco, principalmente sacro, fino a pochi anni fa del tutto sconosciuto. Cantar lontano è un gruppo vocale composto da cantanti e strumentisti capaci di realizzare opere imponenti, il più delle volte in prima esecuzione moderna. Tra i lavori più sensazionali ricordiamo il Vespro a quattro cori per San Carlo Borromeo di Ignazio Donati, la Missa Ducalis di Costanzo Porta, i Vespri napoletani di Diego Ortiz e ultimamente il Vespro della Beata Vergine di Claudio Monteverdi realizzato ed inciso nella basilica palatina di Santa Barbara a Mantova, utilizzando per la prima volta l’organo originale Antegnati del 1565 recentemente restaurato.
Caratteristica esclusiva di questo ensemble è il fare musica nello spazio utilizzando la prassi seicentesca del “cantar lontano” da cui prende il nome. Se da un lato vengono privilegiate come luoghi della musica le grandi cattedrali, così come si faceva anticamente, dall’altro il Cantar lontano si distingue anche per una sperimentazione sonora legata al territorio. Nel 2005 Cantar lontano realizza una Messa di Palestrina all’interno della Grande Grotta del Vento di Frasassi, con 4 cantanti a più di 50 metri l’uno dall’altro, ottenendo uno straordinario riscontro di pubblico e critica. Dal 2005 il concerto di Frasassi è un punto fermo del Cantar Lontano Festival. Nel 2010 lo spettacolare e ambizioso concerto di chiusura della rassegna affidato al gruppo Cantar Lontano si è tenuto al porto di Ancona con i cantanti posizionati sulle gru e sui tetti dei palazzi del porto. All’interno del mondo sonoro Cantar lontano, sono stati amalgamati i suoni del porto come il nautofono e le sirene delle navi in qualità di canti fermi, in uno straordinario continuum tra musica e territorio.

Massimo Cacciari apre  giovedì 29 luglio all’Auditorium San Paolo alle ore 18, con la conferenza inaugurale, l’edizione 2010 dello Sferisterio Opera Festival, Direttore Artistico Pier Luigi Pizzi. Il filosofo veneziano propone un contributo sul tema portante della 46^ stagione lirica, “A maggior gloria di Dio”, dedicata a Padre Matteo Ricci in occasione della celebrazione dei 400 anni della morte. Segue alle ore 21, ancora all’Auditorium San Paolo, il Vespro della Beata Vergine di Claudio Monteverdi, opera sacra pubblicata a Venezia nel 1610, lo stesso anno della scomparsa del missionario maceratese.
 
Lo Sferisterio Opera Festival 2010 si apre giovedì 29 luglio alle ore 18 presso l’Auditorium San Paolo con la conferenza inaugurale di Massimo Cacciari sul tema “A maggior gloria di Dio” e alle ore 21 ancora all’Auditorium San Paolo con il Vespro della Beata Vergine di Claudio Monteverdi, opera sacra pubblicata a Venezia nel 1610, lo stesso anno della scomparsa di Padre Matteo Ricci. Il filosofo veneziano propone una riflessione sul tema portante della Stagione Lirica che celebra il IV centenario della scomparsa di Padre Matteo Ricci, il primo uomo a stabilire un ponte religioso e culturale fra l’Occidente e la Cina.
Alle ore 12, presso gli Antichi Forni per gli Aperitivi Culturali, S. E. Mons. Claudio Giuliodori, Vescovo della Diocesi di Macerata–Tolentino–Recanati–Cingoli–Treia parlerà di “Padre Matteo Ricci: una vita a maggior gloria di Dio”.
Per il Vespro della Beata Vergine di Monteverdi l’appuntamento è alle ore 21 all’Auditorium San Paolo. Il Vespro della Beata Vergine è un indiscusso capolavoro della musica sacra di tutti i tempi ed una partitura monumentale di straordinario fascino, pubblicata a Venezia nel 1610, lo stesso anno della scomparsa di Padre Matteo Ricci cui è dedicata questa edizione dello Sferisterio Opera Festival.
La composizione sacra è affidata a Marco Mencoboni musicista maceratese di fama internazionale, allievo di Gustav Leonhardt (uno dei pionieri della filologia barocchista), e particolarmente attivo nel recupero delle antiche prassi esecutive. Alla guida del Complesso vocale e strumentale del Cantar Lontano, si cimenterà nell’utilizzo della tecnica del “Cantar lontano”, una straordinaria tecnica vocale marchigiana dei primi del ‘600 che si realizza disponendo strategicamente i cantori nello spazio, a creare uno spettacolare effetto di suono diffuso.
La composizione verrà eseguita seguendo l’edizione originale; spiega Marco Mencoboni: “Siamo partiti dall’unica fonte importante, la stampa del 1610 di Ricciardo Amadino, conservata integra solo presso il Civico Museo Bibliografico di Bologna. Abbiamo preso quelle parti come se fossero fresche di ritrovamento, come se nessuno le avesse mai eseguite e ascoltate, ed abbiamo applicato il nostro metodo: leggere dalle parti originali, dove ogni cantore o strumentista ha a disposizione solo la sua linea, seguendo le indicazioni lì riportate”.
L’inaugurazione allo Sferisterio sabato 30 luglio alle ore 21 con il nuovo allestimento di Faust di Charles Gounod
 
Info: Associazione Arena Sferisterio, Via S. Maria della Porta 65, 62100 Macerata
tel 0733261335  Fax 0733261499
Box Office: Piazza Mazzini, 10, 62100 Macerata. tel. 0733 230735 boxoffice@sferisterio.it

e con Carlo Di Maio, Vito Facciolla, Daniele Gonciaruk, Elisabetta Alma, Emanuela
Trovato, Marco Trebian, Marco Zingaro, Maurizio Tomaciello, Valentina D’Andrea

e la partecipazione di
Giulio Farnese
Musiche di Goran Bregovic
Scene e costumi di Andrea Taddei
Adattamento e regia
di Armando Pugliese

Dopo tre anni dalla sua ultima presenza al Plautus Festival, era il 2007 in “Vestire gli
ignudi” di Pirandello, l’affascinante e bravissima Vanessa Gravina torna nella città plautina
giovedì 25 luglio nel ruolo di Caterina in “La bisbetica domata” di William Shakespeare.
Al suo fianco un altrettanto bravo ed eclettico Edoardo Siravo, particolarmente amato dal
pubblico del Plautus, sia nel ruolo del calderaio e ubriacone Sly, sia in quello del caparbio
Petruccio.
Non tutti infatti sanno che il testo shakespeariano è contenuto in una cornice che rende i
due protagonisti personaggi di una rappresentazione teatrale cui altri personaggi assistono
in scena. Una commedia nella commedia, quindi.
Precede per l’appunto il dramma un prologo in cui un calderaio, Cristoforo Sly, è raccolto
ubriaco da un signore reduce da una partita di caccia, davanti ad un osteria in aperta
campagna: Sly è portato al castello, e gli fanno la beffa di trattarlo al suo risveglio come se
fosse un gentiluomo che dopo lungo tempo ha ripreso l’uso della ragione; lo fanno
assistere a “La bisbetica domata”.
La regia di Armando Pugliese individua tre mondi nell’universo della commedia. Nel
prologo e nell’epilogo troviamo quello tardo-cinquecentesco della taverna, abitata dal
calderaio e dai suoi compari e raccontato con realismo quasi caravaggesco. Il mondo della
rappresentazione, invece, è proiettato in una sorta di futuro-immaginifico, che in realtà avrà
i colori e i toni dei nostri anni sessanta. Mentre la casa di Petruccio, dove Caterina viene
“educata”, diventa una sorta di “mondo dei trolls”, dove il “domatore” comanda e governa i
suoi servi ibseniani, per sottomettere la femmina ribelle.

La bisbetica domata (The Taming of the Shrew) è una festa di trame incrociate, scambi
d’identità, manipolazioni linguistiche. In una Padova reinventata dall’autore, viene descritta
la vigorosa conquista dell’irrequieta Caterina da parte del caparbio Petruccio , avventuriero
veronese, che sposa e soggioga l’intrattabile Caterina di Padova, attirato soprattutto dalla
sua dote.

Shakespeare, in questa commedia, dimostra la sua personale sensibilità critica nei
confronti del ruolo della donna del suo tempo ed analizza con grande abilità la psicologia
femminile.
Egli si oppone alle fredde regole sociali dei matrimoni combinati per interesse o prestigio
delle famiglie e, nella figura di Caterina, ci mostra con ironia i conflitti interiori di una moglie
domata dal matrimonio. Caterina mostra, al contempo, la sottile intelligenza femminile, il
coraggio e l’ostinazione che la sorreggono nel rapporto difficile con Petruccio.
Shakespeare non ha una considerazione molto positiva della natura femminile: egli
sottolinea soprattutto la civetteria e la superficialità della donna, attratta dal lusso e
dall’apparenza esteriore. Per esempio, egli dice che il solo fatto che la donna ami truccarsi
è un segno delle sue false intenzioni nei confronti dell’uomo.
Il contrasto tra Caterina, donna diretta, ma sincera, e Bianca, fanciulla educata, ma
prepotente alla fine, mette in guardia il pubblico sulle false apparenze ed insegna che non
sempre la sposa che si piega remissiva ai doveri è capace di amare veramente.
Bisogna però ricordare che il padre mercante Battista è pronto a disporre delle figlie come
merce, dandole al migliore offerente; si può quindi pensare che, in questo caso,
Shakespeare si ponga dalla parte delle fanciulle che tentano di opporsi.
Non c’è dubbio che il punto di vista presentato nella commedia è quello maschile e
storicamente elisabettiano, che gode dell’oppressione cui è sottoposta la bisbetica.
Spesso Petruccio deride Caterina per conquistarla, usando anche dei termini un po’
scurrili. Egli in realtà è un uomo di origini nobili, il quale però si finge un po’ maleducato ed
impertinente.
Lo stesso Lucenzio, travestito da Cambio (il tutore), dando lezioni di letteratura a Bianca,
maltratta e deride il suonatore di violoncello, il quale, incaricato di istruire la ragazza alla
musica, era desideroso di entrare nella stanza (dove vi erano Tranio e Bianca). I
travestimenti e lo scambio dei ruoli danno vita a situazioni ironiche e a malintesi che
divertono il pubblico e rompono la drammaticità di alcune scene. La stessa Caterina
appare comica quando sputa sentenze e si infuria come un serpente velenoso, mentre, in
casa di Petruccio, essa risveglia la nostra compassione. Come in tutto il teatro
elisabettiano, le commedie di Shakespeare, volte al divertimento del pubblico, non
mancano di offrire momenti di profonda riflessione e spunti educativi.
Le commedie di Shakespeare sono caratterizzate da un lieto fine e da un’atmosfera
gioiosa, piuttosto razionale e solo apparentemente ottimistica. I problemi e le discordanze
della storia si risolvono sempre in un lieto fine dove però non mancano i toni malinconici ed
un senso pessimistico sulla natura precaria della felicità umana.
Shakespeare non ama giocare con gli equivoci, i travestimenti e le sorprese e ci mostra
un’umanità affaccendata, che ha poco della riservatezza inglese, la borghesia elisabettiana
che esprime l’avidità e la volontà di potere, o una nobiltà fastosa, capricciosa. L’amore è
abilmente dipinto nelle commedie, a volte preso in giro, perché sinonimo di superficialità ed
ipocrisia. Il grande drammaturgo non mostra le cose come egli crede che siano, ma mostra
uomini ciascuno dei quali vede le cose a suo modo.
L’introduzione crea un passaggio dalla realtà al sogno, per poi introdurci nell’azione
comico-farsesca della storia. L’azione dura cinque giorni e si basa su scene di contrasto e
contrapposizione di personaggi. È proprio da queste opposizioni, di carattere, di tono o di situazione, che nasce l’originalità e la vivacità di questa commedia, benché fra le più
semplici e lineari di Shakespeare.
Se il tono ironico domina la commedia, non dobbiamo dimenticare che è proprio il
momento finale che riporta la concentrazione e fa da contrappunto patetico: frustrata
prima, quando era bisbetica, e dopo, quand’è domata, Caterina paga il prezzo di
un’educazione e di una rigidità sociale ingiuste.

INFO
plautusfestival.it
info@plautusfestival.it
cultura@comune.sarsina.fc.it
Comune di Sarsina

La verità e il tempo.
La vita di S.Agostino è stata una continua ricerca della verità e una continua lotta contro l’errore. Era un uomo inquieto, insoddisfatto delle verità comode e consolanti. Così la fede è, per Agostino, al termine della ricerca, non all’inizio, è condizione della ricerca, è la ricerca che nelle Confessioni si rivolge verso la fede e cerca di chiarirla con l’approfondimento dei piani temporali e nel percorso di una intera vita.
La ricerca che Agostino si impone, la sua fame di Verità, è rigorosa e difficile: essa non si abbandona facilmente a credere, non chiude gli occhi di fronte alle difficoltà della fede, non tenta di evitarle, le affronta continuamente. Il rigore del procedimento della ricerca non si arresta di fronte al mistero, ma fa continuamente del mistero il punto di riferimento.
E per capire, ossia per fare filosofia in modo corretto, è indispensabile anche credere, avere la fede, che è simile alla luce che indica il cammino; viceversa, per avere una fede salda è indispensabile anche comprendere e cioè filosofare.
“Crede ut intelligas, intellige ut credas” (= credi per capire, capisci per credere).
Il filosofare di Agostino è sempre una ricerca in prima persona, e impegna costantemente l’uomo Agostino nella sua vita quotidiana. Ripiegarsi su di sé, confessarsi è il primo gradino per arrivare alla verità che può essere scoperta solo se si guarda dentro di noi.
Bisogna dunque raggiungere il più intimo nucleo dell’io per trovare la verità e Dio.
Anzi, la verità è Dio e finché l’uomo non l’ha trovata non sarà mai felice.
L’uomo che cercava Dio nell’intimo di se stesso lo scopre come Verità, la Verità che guida e illumina la sua ricerca e la sua esistenza.
Il recital segue questo doppio percorso intrecciato: da un lato, muovendo a chiarire e ad approfondire la propria condizione, la ricerca si estende perché si avvicina alla verità e si fonda in essa; dall’altro, la fede stessa, attraverso la ricerca, viene raggiunta e posseduta nella sua realtà più ricca e si consolida nell’uomo superando il dubbio.
A fare da collante tra i due percorsi, il problema del tempo, inteso nell’adattamento come vero superamento prima teorico e poi intimo della questione della fede.
“Che cosa faceva Dio prima di creare il cielo e la terra?”.
In una prima battuta Agostino risponde scherzosamente dicendo che Dio “preparava l’inferno per coloro che fanno certe domande”, poi si schernisce dicendo che se nessuno gli chiede che cos’è il tempo, lui lo sa, ma se qualcuno glielo chiede, non lo sa.
Infine egli risponde osservando che Dio è eterno ed è il creatore non solo di ciò che è nel tempo ma del tempo stesso.Prima della creazione il tempo non c’era : non vi era dunque un prima e un dopo e non ha senso domandarsi che cosa facesse allora Dio.
Ma che cosa è quindi il tempo?
Secondo Agostino il tempo esiste solo come dimensione dell’anima umana. Noi conserviamo la memoria del passato e siamo in attesa del futuro; vi è poi nell’anima l’attenzione per le cose presenti. La vita dell’uomo si svolge, si distende (il tempo è distensio animae, “distensione dell’anima”) tra attenzione, memoria e attesa.
Per cui le tre dimensioni temporali dovrebbero, più precisamente, essere definite nel modo seguente: il presente del passato, il presente del presente, il presente del futuro.
Khora.teatro nasce nel 2004 con il chiaro scopo di perseguire una linea editoriale molto forte e coerente nel campo dello spettacolo dal vivo e nelle sue applicazioni multimediali facendo della collaborazione tra le diverse specificità artistiche il suo punto di forza.
Khora.teatro è oggi una compagnia di produzione teatrale basata sulla esperienza e le competenze di Alessandro Preziosi, Tommaso Mattei e Aldo Allegrini, riconosciuta dal Ministero per i Beni Culturali, Dipartimento per lo spettacolo dal Vivo, e ha stretto contatto con i principali distributori (Essevuteatro, Teatro 88, …), circuiti di distribuzione teatrale sul territorio nazionale (Amat Marche, Arteven, Utim, Teatro Publico Campano,…) e con diverse Istituzioni culturali come il Comitato per le Celebrazioni Cristoforo Colombo, Taormina Arte, Estate Teatrale Veronese, Festival teatrale di Borgio Verezzi, Festival della Versiliana, Meeting di Rimini per l’amicizia tra i Popoli; Khora.teatro è membra dell’associazione Voglia di teatro.
Dopo i primi progetti nel campo del teatro di ricerca, come “Le ultime ore di A.I.”
di Tommaso Mattei interpretato da Alessandro Preziosi , vantando collaborazioni con musicisti come di Daniele Sepe e con artisti come Kris Ruhs, che dopo il debutto al Teatro Libero di Milano è approdato al Festival TaoArte e il melologo “Il re degli interstizi” dedicato a Fernando Pessoa e interpretato da Alessandro Preziosi accompagnato da Maria Pia De Vito e Rita Marcotulli (tuttora in programmazione), nel 2005 ha debuttato a Taormina presso il Teatro Antico la commedia musicale “Datemi tre caravelle!” di Carmelo Pennisi e Massimiliano
Durante con musiche di Stefano Di Battista, per la regia del premio Oscar Gianni Quaranta e interpretato da Alessandro Preziosi, che ha effettuato dal 2005 al 2007 una lunga tournée nazionale toccando le maggiori piazze italiane e prestigiosi teatri.
Nel 2005 coltivando l’attenzione alla drammaturgia italiana contemporanea presso il Festival di Borgio Verezzi comincia il tour de “L’inserzione” di Natalia Ginzburg per la regia di Marcello Cotugno con Cloris Brosca, che dopo numerose date nazionali e notevoli riconoscimenti di critica, si è concluso nel 2007 presso il teatro “Brancaccino” di Roma. Nel 2008 Khora.teatro produce due importanti eventi teatrali: il melologo “Il Ponte” di Carmelo Pennisi e Massimiliano Durante, con Alessandro Preziosi, con musiche dal vivo di Stefano di Battista Quartet, e Rita Marcotulli, che ha debuttato il presso l’Auditorium Conciliazione di Roma
nell’ambito del workshop “Tempi del presente“ e l’”Amleto” di Shakespeare con la traduzione di Eugenio Montale che ha debuttato in occasione del 60° anniversario del festival shakespeariano al Teatro romano di Verona per la regia di Armando Pugliese (scene di Andrea Taddei, costumi di Silvia Polidori, luci di Valerio Tiberi, musiche dei Zero:pm e Massive Attack) prima tappa di un’applaudita tournèe estiva ( accanto ad Alessandro Preziosi, Franco Branciaroli e Silvio Orlando) e che dopo più di 200 repliche nei principali teatri italiani e un significativo successo di pubblico ha chiuso i battenti nel febbraio del 2010 presso il teatro Donizetti di Bergamo.
Nel 2009 è andato in scena presso il teatro Eliseo di Roma per la regia dl Juan Diego Puerta Lopez “Il sapore della cenere” di Ariel Dorfman, tratto dal libro Speak truth to power, di Kerry Kennedy, con la partecipazione in video di Enrico Lo Verso, Piera Degli Esposti e Alessandro Preziosi, e dopo il grande successo dell’allestimento di “Amleto” Khora.teatro ha rinnovato il sodalizio con l’Estate teatrale Veronese e con Armando Pugliese con la messa in scena di “La
dodicesima notte” con Luca De Filippo nei panni del maggiordomo truffato Malvolio che vede oltre alla sperimentata compagnia dell’Amleto la partecipazione di Edoardo Siravo e Maria Laura Baccarini. Al debutto il 7 luglio all’inaugurazione dell’Estate teatrale Veronese ha seguito un tour estivo nei principali festival italiani che ha riscosso numerosi consensi di critica e l’entusiasmo del pubblico.
La ripresa dello spettacolo che vede nel cast la partecipazione di Francesco Paolantoni spettacolo è in programmazione nei maggiori teatri italiani nella stagione 2010-2011 .
A testimonianza di un ribadito interesse per la poesia e la letteratura in genere sono tutt’ora in programmazione i recital di Alessandro Preziosi “Il mestiere di amare” dedicato a Cesare Pavese , “Raffaello, una cita felice “ di Antonio Forcellino, “ Le confessioni di S. Agostino”.
Alessandro Preziosi è nato a Napoli il 19 aprile del 1973, laureato in Giurisprudenza presso l’Università Federico II di Napoli si è trasferito a Milano, dove si è diplomato all’Accademia dei Filodrammatici; vive e lavora a Roma.
Gli esordi della sua carriera sono legati al teatro, nel 1998 è stato scelto per il ruolo di Laerte nell’ Amleto che Antonio Calenda ha allestito per il Teatro Stabile del Friuli-Venezia Giulia; ha poi affrontato il personaggio di Cristiano nel Cyrano di Corrado D’Elia e, successivamente, ha prodotto e interpretato il monologo Le ultime ore di A.I. di Tommaso Mattei (rappresentato in molte città italiane, fra cui Milano, Napoli, Bari e Salerno).
Sempre con lo Stabile del Friuli-Venezia Giulia e diretto da Antonio Calenda, ha recitato nell’Agamennone di Eschilo ed è stato Oreste in Coefore, entrambi rappresentati a Teatro Greco di Siracusa e poi in tournée nazionale. E’ stato protagonista anche nella conclusione della trilogia eschilea, interpretando il ruolo di Oreste in Eumenidi.
Dopo aver a lungo interpretato l’ispettore Pietro Foschi nella fortunata soap di Mediaset Vivere, è stato protagonista per Mediaset della fiction in costume Elisa di Rivombrosa diretta da Cinzia P.H. Torrini grazie alla quale vince un Telegatto come personaggio maschile dell’anno. La serie ambientata nel Settecento e racconta la storia d’amore tra la dama di compagnia Elisa Scalzi (Vittoria Puccini) e il conte Fabrizio Ristori. Nella seconda serie è presente solo nelle prime due puntate, avendo deciso di dedicarsi al teatro interpretando il ruolo di Cristoforo
Colombo per il musical “Datemi tre caravelle!” di Carmelo Pennisi e Massimiliano Durante, prodotto da Khora.teatro.
Nel 2004 è protagonista del suo primo film Vaniglia e cioccolato, regia di Ciro Ippolito, e della miniserie tv in sei puntate, Il Capitano di Vittorio Sindoni, trasmessa da Raidue; nella seconda serie, in onda nel 2007, è presente solo nelle prime due puntate.
Nel 2006 gira i film I Viceré di Roberto Faenza, tratto dal romanzo di Federico De Roberto, e La masseria delle allodole, tratto dal libro di Antonia Arslan e diretto da Paolo Taviani e Vittorio Taviani. Entrambi i film escono nelle sale nel 2007 mentre inizia le riprese della serie Il commissario De Luca, 4 film tv, tratti dai romanzi di Carlo Lucarelli, regia di Antonio Frazzi.
Dopo aver interpretato ll tv movie della Lux vide “S.Agostino” per la regia di Cristian Dougay, e la ripresa dell’Amleto di Khora.teatro per la regia di Armando Pugliese dopo il debutto in occasione del sessantesimo anniversario del festival Scespiriano di Verona ha terminato nel febbraio 2010 a Roma una lunghissima tournee, ha interpretato il ruolo di Antonio nel nuovo lungometraggio di Ferzan Ozpetek “Mine vaganti “.
Dal settembre 2009 è il direttore artistico della Link Academy , dipartimento di Performing art della Link Campus University.

Dirige l’orchestra del Festival Puccini il Maestro Alberto Veronesi affiancato dal giovanissimo direttore Anthony Arcaini, stella nascente della musica classica.

Un programma insolito per il pubblico di Torre del Lago che potrà ascoltare le voce di una delle più grandi interpreti del mondo in un repertorio che spazia da Puccini a Strauss da Giordano a Leoncavallo passando per alcuni brani dei “classici” del musical.
Renée Fleming Nata ad Indiana, in Pennsylvania, ma cresciuta a Rochester, New York , Renée Fleming è fi glia di due maestri di canto. Anche la sorella Rachelle e il fra tello Ted sono musicisti.
Ha frequentato la State University of New York at Potsdam, studiando musica e canto. Si è esibita non solo come musicista classica, nelle produzioni della Messa in Si minore di Bach e di The Tender Land di Copland, ma anche come cantante di jazz. Tanto che, quando il sassofonista Illinois Jacquet ascoltò la sua interpretazione di You’ve Changed, le suggerì di iniziare un tour con il suo gruppo. Invece, Renée Fleming decise di continuare il suo tirocinio musicale alla Eastman School of Music, dove ha interpretato per la prima volta sulla scena un ruolo mozartiano, quello di Zerlina nel Don Giovanni. Dopo aver preso il Master, ha continuato gli studi alla Juilliard School e, nel frattempo, ha vinto una borsa di studio del Programma Fulbright che le ha consentito di trascorrere un anno in Germania, studiando con Arleen Auger ed Elisabeth Schwarzkopf. Il suo primo ruolo come professionista è stato quello di Konstanze in Die Entführung aus dem Serail, ma il suo primo grande successo è stato nei panni della Contessa nelle Nozze di Figaro al Houston Grand Opera. In questo ruolo, ha anche debuttato al Festival dei Due Mondi, al Metropolitan Opera e al San Francisco Opera.

Rinomata per la sue interpretazioni mozartiane, Renée Fleming è stata Ilia in Idomeneo, Fiordiligi in Così fan tutte, Fortuna in Il sogno di Scipione, Pamina in Die Zauberflöte, e Zerlina, Donna Anna, e Donna Elvira in Don Giovanni. Tra gli altri ruoli nei quali si è distinta ci sono quelli della protagonista eponima in Rusalka, Alcina e Thaïs, e quello di Imogene nel Pirata. Ha inoltre interpretato molte opere di Richard Strauss, compreso Der Rosenkavalier (Marschallin).

È stata la prima Rosina in The Ghosts of Versailles di John Corigliano, la prima M.me de Tourvel in The Dangerous Liaisons di Conrad Susa e la prima Blanche DuBois in A Streetcar Named Desire di André Previn.

Antony Arcaini, californiano, 15 anni, enfant prodige il 28 luglio sarà sul podio del Festival Puccini di Torre del Lago. Il Maestro Alberto Veronesi, suo mentore, gli cederà la bacchetta nella serata del Gala Concert con la grande Renée Fleming.

Il giovane Arcaini, stella nascente della musica, ama la Toscana e Puccini. Alla Toscana, che ha scoperto grazie a suo padre Tonio, ha dedicato la composizione “a dream of Tuscany” che sarà eseguita in prima assoluta il 28 luglio nel Gran Teatro all’Aperto Giacomo Puccini di Torre del Lago .

Nella sua giornata tipo sveglia alle 5,00 del mattino per studiare musica, pianoforte e violoncello sino alle 7,30 e dopo la scuola ancora musica, dalle 14,30 alle 16,00 per poi dedicare il resto della giornata allo sport e alla piscina.
Un teenager da vvero speciale che sposa la passione per lo sport, gli animali e le spiagge della
Fl orida con quella per la musi ca classica e per l ’opera . Il 28 luglio il suo debutto a Torre del Lago alla testa dell ’orches tra del Fes ti val Puccini in occasione del Concerto di Gala di Renée Fleming.
La sua seconda prova come direttore d’orchestra, dopo aver diretto la filarmonica di Bologna nel maggio scorso, enfant prodige e astro nascente del panorama della musica, che in pochissimi anni dal suo debutto avvenuto come violoncellista all’età di 11 anni è già stato applaudito su prestigiosi palcoscenici dal Forum Grimaldi, alla Andrews Hall di Boca Raton in Florida, all’Opera di Nizza, suonando sue composizioni anche per il Principe Alberto II di Monaco. Anthony Arcaini nasce il 15 agosto 1995 a Palm Springs, California. E’ pianista, violoncellista e direttore d’orchestra oltre che compositore musicale. La madre, Rebecca, è tedesca, il padre, Tonio, è italiano. Il suo trisavolo era un compositore di musica sacra e suo nonno professore di violoncello. Anthony aveva quattro anni quando ha cominciato a suonare il pianoforte. A nove anni scrive il suo primo brano di musica, ispirato dal bosco che circonda la casa della nonna in Toscana.
Parla inglese e tedesco. Ama giocare a calcio, tennis e si allena regolarmente nel golf insieme a suo padre.
Studia attualmente con il famoso direttore Thomas Sleeper all’università di Miami e ha un mentore il Maestro Alberto Veronesi. Si sveglia alle 5 e fino alle 7,30 si esercita al pianoforte, alle 8,30 a scuola e dalle 14,30 sino alle 16,00 continua a studiare violoncello e pianoforte. Dalle 17,30 si dedica invece allo sport e ai giochi con i fratelli. Per la sua grande prova sul podio del Gran Teatro di Torre del Lago alla testa dell’Orchestra del Festival Puccini Anthony ha voluto una creazione originale “a dream of Tu scany” .
Del repertorio pucciniano predilige La Bohème e la Rondine ma adora tutta la tradizione della musica classica europea. Il suo sogno? Diventare un grande compositore e direttore d’orchestra.

Wolfgang Rihm

Text by Wolfgang Rihm after Friedrich Nietzsche’s Dionysus Dithyrambs

Wolfgang Rihm, Ulrich Mosch,
Jürg Stenzl, Moderation

Wolfgang Rihm, born in Karlsruhe in 1952, is one of the most productive and many-sided composers living today. His mixture of inexhaustible imagination, creative vitality and shrewd self-reflection has enabled him to produce a rich and variegated body of music that already includes more than four-hundred works in all genres. Rihm’s music bears witness to a faith in the indestructibility of the creative individual who can maintain strength and dignity in the face of outside perils.
Rihm is a musician of wide-ranging intellectual attainments who carries on a brisk dialogue with the sister arts. His precise, highly philosophical essays on the problems of artistic creation have literary stature and have broadened the horizons of readers and listeners alike.

World premiere
In German with German and English surtitles

Coproduction with De Nederlandse Opera, Amsterdam, and the Staatsoper Unter den Linden, Berlin

LEADING TEAM

Ingo Metzmacher, Conductor
Pierre Audi, Stage Director
Jonathan Meese, Set Design
Jorge Jara, Costume Design
Jean Kalman, Lighting
Martin Eidenberger, Video
Klaus Bertisch, Dramaturgy
Jörn H. Andresen, Chorus master

CAST

Johannes Martin Kränzle, Dionysos
Mojca Erdmann, Soprano
Elin Rombo, Soprano
Matthias Klink, Tenor
Virpi Räisänen, Mezzo-soprano
Julia Faylenbogen, Contralto
Uli Kirsch, Dancer/Actor

Deutsches Symphonie-Orchester Berlin
Concert Association of the Vienna State Opera Chorus
ABOUT THE PRODUCTION

Friedrich Nietzsche’s late cycle of poems Dionysus-Dithyrambs is the inspiration and point of departure for Wolfgang Rihm’s latest music-theater work, which will have its world premiere at the Salzburg Festival. The director Pierre Audi, who has ample experience in working with visual artists, shows how the god of inebriation finds his way into the texts of the philosopher, already marked by madness, how his erotic, traumatized, platonic and pathological relationships with the most important women in his life can be revealed through music, motion and images, how the author himself, racked by illness and yet highly sensitized, becomes a theatrically exuberant event.
For the first time, Audi will collaborate with the visual inspiration of multi-talent Jonathan Meese, who has repeatedly dealt with the subject of Nietzsche before. His opulent and sometimes rigorously structured associations with Nietzsche make him a natural choice for this work. The composer develops a plot without wanting to follow a linear narrative structure – instead, he unfolds a kaleidoscope of images – an almost Dionysian action.

Klaus Bertisch